En fonction des émotions suscitées par les pièces, de leur tonalité, de leurs thèmes, on distingue des sous-genres.
Souviens-toi que les formes théâtrales évoluent (en vers ou en prose, avec ou sans actes/scènes) au fil des siècles, du théâtre classique au théâtre contemporain.

• La règle des trois unités (temps, lieu, action), que Boileau a résumée en deux vers :

« Qu’en un lieu, qu’en un jour, un seul fait accompli
Tienne jusqu’à la fin le théâtre rempli » (Art poétique).

• Il faut y ajouter l’unité de ton (pas de mélange entre comique et tragique) ;
• la règle de bienséance (pas de nudité, de sang, etc., on pense au scandale du Cid en 1636, avec l’épée tachée du sang du Comte, pourtant tué en coulisses) ;
• la règle de vraisemblance.

Ces règles caractérisent principalement le théâtre du XVII^e. Le théâtre s’est rapidement affranchi de ces règles (Un spectacle dans un fauteuil de Musset au XIX^e, qui rassemble des pièces destinées à être lues, et non jouées ; Lorenzaccio réclame 35 changements de décor, etc.).

Molière, Les Fourberies de Scapin, 1662 ;  Beaumarchais, Le Mariage de Figaro, 1784

Antigone ou Électre de Sophocle, reprises respectivement au XX^e par Anouilh (Antigone, 1944) et Sartre (Les Mouches, 1943) ; Phèdre de Racine, Horace de Corneille pour le XVII^e

• Effet recherché : susciter la sympathie du spectateur (registre pathétique, larmoyant) ;
• dénouement : visée moralisatrice ;
• personnages : héros bourgeois, domestiques.

Ex. : La Mère coupable, Beaumarchais, 1792

• Effet recherché : faire « une peinture totale de la nature » (Hugo), mélange des registres ;
• dénouement : souvent tragique ;
• refus des unités de temps et de lieu, et de la règle de bienséance ;
• personnages : les héros sont des individus qui affirment leur existence unique.

Ex. : Hernani, Victor Hugo, 1830

• Effet recherché : mise en évidence du caractère à la fois drôle et tragique de la vie ;
• « théâtre de la dérision » : des situations tragiques sont traitées de manière comique (humour noir) ;
• situations absurdes, dénuées de sens ;
• personnages : solitude des personnages, incapables de communiquer.

Ex. : En attendant Godot, Beckett, 1952 et La Cantatrice chauve, Ionesco, 1950

L’énonciation est très importante dans le théâtre, tu dois porter une grande attention à la distribution de la parole. Dans le théâtre, ce sont les personnages qui prennent en charge l’énonciation : il n’y a pas de narrateur.
Demande-toi toujours : qui parle ? à qui ? comment ? (échange vif, tirade ?). Dans le cas du monologue, le personnage peut s’adresser à lui-même, à un destinataire absent, en tout cas au spectateur.

Au théâtre, on fait « comme si » : un décor en bois est une forêt, trois acteurs représentent une foule, il y a du vrai poison dans la fiole de Ruy Blas, etc. Ces conventions touchent aussi l’énonciation (monologue, aparté, etc.).
Ex. : les apartés de Dom Juan, dans la pièce éponyme de Molière. Le séducteur courtise Charlotte et Mathurine dans une scène où elles sont toutes deux présentes !

Lors du monologue d’Harpagon (L’Avare, Molière, 1668), l’acteur cherche souvent sa « cassette » parmi les spectateurs, les prenant à partie, les fouillant.

Erreur qui fait qu’on prend une chose ou une personne pour une autre. Les personnages croient parler de la même chose/personne, mais chacun se trompe sur ce dont parle l’autre.

Le spectateur est conscient de cet écart, il y a plusieurs effets possibles :

• malentendu comique : la confusion est drôle, sans conséquences graves ;
• malentendu tragique : la confusion crée une situation entraînant la souffrance, la mort.

Malentendus comiques :

• Horace, dans L'École des femmes de Molière, 1663, confie son amour pour Agnès à Arnolphe, alias Monsieur de la Souche, qui doit l’épouser. Il choisit pour confident, sans le savoir, précisément celui qu’il faudrait tenir éloigné du secret.
• Dans L’Avare (V,3), Harpagon parle de sa cassette et Valère parle d’Élise, en utilisant le pronom « elle ».

Malentendu tragique :

• Néron, jaloux de son demi-frère Britannicus, contraint ce dernier à rompre avec celle qu’il aime, Junie. La jeune femme ignore le chantage exercé par Néron, qui les espionne pour s’assurer que Britannicus met un terme à sa relation avec Junie, désespérée.

La part des didascalies est plus ou moins importante en fonction des époques (quasi inexistantes dans le théâtre classique, plus fournies chez les Romantiques). Au XX^e, la didascalie change quasiment de statut, car elle est souvent destinée au lecteur : elle est parfois impossible à traduire sur scène.
Ex. : Les « dix-sept coups anglais » que sonne la pendule d’Eugène Ionesco dans La Cantatrice chauve (1950).

Demande-toi à quel mouvement littéraire et à quel genre se rattache l’œuvre théâtrale : ces indices te guideront pour le repérage des registres, du respect (ou non) des conventions propres au mouvement ou au genre auquel elle se rapporte.

Une des premières questions à te poser concerne le sujet de l’extrait : de quoi est-il question ? Est-ce une scène qui fait avancer l'action, la retarde ? Dans tous les cas... comment ?

• Ex : la scène met-elle l'accent sur les relations entre personnages (aveu, dispute) ? Ce qui peut entraîner des décisions, des coups de théâtre, etc.
• Ex : la scène donne-t-elle la parole à un personnage qui exprime ses sentiments, son désarroi dans un monologue (sans véritable conséquence sur l'action) ?

Repère où se situe le passage au sein de l’œuvre : est-ce la scène d’exposition ? Est-ce le dénouement ?
Utilise le paratexte qui t’indique l’acte et la scène pour t’aider à situer l’extrait dans la pièce.

Jusqu’au XX^e siècle, une pièce de théâtre est le plus souvent composée de 5 actes, divisés en scènes. Dans la tragédie classique, le point culminant a souvent lieu au troisième acte.

Tu dois être particulièrement attentif aux éléments suivants  :

• les éléments nécessaires à la compréhension de l’intrigue (où, quand, quoi ?) et des relations entre les personnages (caractère, passé, etc.).
  Ex. : l’héroïne et sa confidente dans Phèdre de Racine ou deux amis protagonistes dans Le Misanthrope de Molière, donnent les informations nécessaires au spectateur.
• Parfois, imitant le théâtre antique, un personnage appelé « prologue » se charge de présenter les personnages, et annonce même l’issue de la pièce.
  Ex. : Antigone d’Anouilh, 1944
• Parfois, le dramaturge se plaît à déjouer les attentes du spectateur en refusant les informations.
  Ex. : Ionesco au début de La Cantatrice chauve, 1950

• la scène d’aveu ;

Ex. : Phèdre, l’héroïne de Racine, avoue qu’elle aime Hippolyte. Il sera intéressant de voir à qui elle fait l’aveu de cet amour interdit : d’abord à sa confidente Œnone, puis à l’intéressé lui-même, enfin à son mari, Thésée.

• la scène de reconnaissance ;

Ex. : nombreuses dans les dénouements de Molière, les retrouvailles entre parents et enfants. Dans L’Avare, Mariane et Valère sont depuis longtemps orphelins de père, mort dans un naufrage. Mais voilà que les dernières scènes introduisent Anselme, qui n’est autre que ce père, rescapé : ils se reconnaissent dans l’émotion, et le père, riche bien sûr, bénit les mariages de ses enfants retrouvés.

• la scène de dispute (entre amis, entre amants) ;

Ex. : les amis dans Art de Yasmina Reza, Célimène et Alceste dans Le Misanthrope, Jean et Bérenger dans Rhinocéros de Ionesco, les révolutionnaires dans Les Justes de Camus.

Dégage les grands mouvements de l’extrait de scène qui t’est proposé. Les didascalies peuvent donner des indices sur l’articulation du passage.

Le texte, dialogue ou monologue, suit un rythme : rapide dans la dispute, ou au contraire très lent dans une scène de tension extrême. Au cours d’une même scène, plusieurs rythmes peuvent se succéder.
N’oublie pas que, joué, le texte se déploie selon un autre rythme qu’une lecture linéaire : jouer n’est pas réciter ! Pense aux silences, indiqués par les didascalies ou non, ou aux gestes qui accompagnent certains mots : ils modifient la manière d’entendre le texte. Pense aussi aux personnages qui ont peu (ou pas) de texte mais qui se déplacent, jouent, etc...

Pour étudier le rythme d’un dialogue, étudie :

• la répartition de la parole : la longueur des répliques est importante. Ex. : qui mène le jeu ? Quelle place (nombre de lignes/vers) est accordée à l’un ou l’autre des personnages ?
• l’organisation de l’échange : les répliques peuvent s’opposer (reprise ironique des paroles de l’autre pour se moquer de lui, discréditer ses idées), se compléter, etc. Commente ces effets de symétrie, d’écho.
• le rythme de l’échange : un dialogue dans lequel les personnages se répondent vers à vers est une stichomythie. Pense également à étudier les silences.

• En partant de l’effet produit par le texte sur le lecteur, mais aussi du genre de la pièce (tragédie, comédie, etc.) définis le ou les registres du texte.

Ex. : il est rare qu’une page de Molière ne comporte pas de comique, une page de Racine pas de pathétique et/ou de tragique, une page de Beckett pas de comique et de tragique à la fois (théâtre de l’absurde), etc.

• Pose-toi la question du comment ! Ne te contente pas d’une réponse simple : « c’est (assez) drôle…» : identifie dans le texte ce qui crée cet effet.

Ex. : cette page est drôle →  comment l’auteur nous fait-il rire ? Rit-on d’un personnage ridicule (comique de caractère) ? Dans ce cas, quel est le trait grossi ? La prétention (sentiment de supériorité, orgueil, amour-propre) ? Alors comment l’est-il (hyperboles, images, champ lexical de la vanité) ?  Va jusqu’au bout de la chaîne !

• N’oublie pas d’observer les niveaux de langue (soutenu ? familier ?).

Le théâtre s’articule autour de personnages qui se définissent essentiellement par ce qu’ils disent. Pour les étudier, pose-toi les questions suivantes :

• la question du statut des personnages : personnage principal ? secondaire ? héros ? confident ?
• la question du type de personnage : jeune premier ou jeune première (Horace et Agnès dans L’École des femmes de Molière) ? vieux barbon (Arnolphe) ? valet inventif ou servante impertinente (Dubois dans Les Fausses Confidences de Marivaux, Scapin ou Toinette chez Molière) ?
• la question du caractère des personnages : qualifie chaque personnage à l’aide d’un ou plusieurs adjectifs. Ex. : Mme Pernelle est autoritaire (scène d'exposition du Tartuffe), Stepan est radical (dans Les Justes de Camus), Néron est cruel (dans Britannicus de Racine), Dubois est manipulateur (Les Fausses Confidences de Marivaux), etc. Les didascalies peuvent être très utiles !

Regarde de près le type des phrases : en fonction des actes de parole (donner un ordre, affirmer, poser des questions), tu peux aussi caractériser un personnage (autoritaire, catégorique, curieux, etc.).

Au théâtre, le non verbal a toute son importance. Accorde une place dans l’analyse et la réflexion à tous les éléments qui éclairent la lecture du texte :

• dans le choix des acteurs : distribution artistique, répartition des rôles, etc. ;
• dans le jeu des acteurs : langage du corps, intonations, silences, etc. ;
• dans la scénographie : éléments de décor, accessoires, lumières, voix off, écran, etc.

Dans le cas des pièces versifiées (principalement aux XVII^e et XIX^e siècles), tu ne peux pas laisser de côté la forme poétique du texte.
Prends quelques instants pour relever :

• des rimes signifiantes

Ex. : des antonymes qui montrent bien la place des femmes selon Arnolphe : « Votre sexe n’est là que pour la dépendance. / Du côté de la barbe est la toute-puissance », L’École des femmes, Molière, 1663

• un rythme particulier

Ex. : « Toujours aimer, toujours souffrir, toujours mourir », Suréna, Corneille, 1674

• un vers réparti entre plusieurs interlocuteurs

Ex. : entre Arnolphe et Agnès. « Ouf. / Hé ! Il m’a... / Quoi ? / Pris... / Euh ! / Le... / Plaît-il ? / Je n’ose » L’École des femmes, Molière, 1663

Pense à bien intégrer ces remarques stylistiques dans ton étude des personnages, des registres etc.